Carlos Martiel

by Ethan Seidenberg for Kulture Hub

Art has the power to evoke empathy and bring people together as a community, and in this time of protest and pandemic, positive creative influences are needed now more than ever.

Here are some artists who have taken to social media or other online outlets to express their artistic perspectives on current events or experiences of being black in America.

(…) Cuban artist Carlos Martiel creates astounding visual pieces through the use of mediums such as forms of sculpture and 3D-art, or even photography with him as the main model of the artwork.

Many of his pieces focus on themes such as activism or immigration and often provide social commentary. Their commentary is enhanced by how Martiel often uses materials related to the work’s central theme.

He’ll use rocks and pieces of bricks and security fence spikes to form an American flag, a piece of his own dreadlocks to document the places he’s lived, a photo of him lying prone with an American flag piercing his skin.

These pieces and more tell a complex narrative about identity and society.

The artist has also recently taken to social media to protest police brutality and support the Black Lives Matter movement. From using his art to spread his message to showing photos of himself at protests and marches, Martiel’s artistic expressions are arguably another form of rebellion and a call to action in these times.

Carlos Martiel posts his artwork in addition to chronicling his activism on Instagram, as well as on his personal website (…)

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by Marelys Valencia for PARSE

This essay explores the role of performance art in redefining blackness in the transnational sphere within the logic of “global apartheid” as defined by Manning Marable. It particularly addresses how imagined and lived blackness(es) continue to express life in proximity to death, yet persist in life, as conveyed in the performances of Afro-Cuban artist Carlos Martiel, who resides in the US. His work trespasses the national framework, either regarding Cuba or the United States, to engage in a cross-border solidarity that confronts the realities of black people and other subaltern groups within contemporary global neo-liberalism. Martiel’s use of his body as canvas points towards the differentiated histories behind today’s migratory movements that bear witness to the perpetuation of unequal guarantees of life, safety and hospitality for non-Western immigrants. I argue that the immediacy of the performance, instead of creating a community of strangers, reveals the fragility of guarantees for non-white bodies subjected to historical violence, and in so doing, his work circumvents the possibility of appropriation by Western audiences of any enduring suffering.

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di Marco Roberto Marelli per Forme Uniche

Carlos Martiel è nato a L’Avana, Cuba, nel 1989 e oggi vive e lavora fra New York e la sua città natale. Laureatosi nel 2009 presso la National Academy of Fine Arts “San Alejandro” all’Avana, tra il 2008 e il 2010 ha studiato presso la Cátedra Arte de Conducta, diretta dall’artista Tania Bruguera. Le sue opere sono in importanti collezioni pubbliche e private come il Solomon R Guggenheim Museum di New York, la Fondazione Shelley e Donald Rubin di New York, il Museu de Arte do Rio di Rio de Janeiro, il Museo Nazionale di Belle Arti de L’Avana e ha realizzato performance in diversi musei nel mondo fra i quali il Stedelijk Museum di Amsterdam, il Museo La Tertulia di Cali, il Centro de Arte Contemporáneo di Quito, il Walker Art Center di Minneapolis e il Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano.
Fra i più importanti artisti del panorama internazionale, pone il suo corpo, la sua identità e la sua sensibilità in dialogo con la natura dell’esistenza, la vita sociale e le tradizioni culturali, inserendosi a pieno titolo in un’accesa tradizione artistica legata al fare performativo, attualizzandola e innovandola attraverso un impatto duro e colto con un reale mutevole e contemporaneo.

Per la preziosa collaborazione alla realizzazione di questa intervista si ringrazia Apulia Center for Art and Technology.

Cosa significa essere un artista e quali differenze noti fra i tuoi esordi e oggi?

Essere un artista significa molte cose; per come la vedo io significa avere un impegno con il momento in cui vivi, oltre ad avere una visione consapevole e critica della realtà a breve, medio e lungo termine. Queste sono delle qualità innate, perché non impari a essere un artista, puoi imparare a perfezionare una tecnica, ma essere un artista è una professione con cui nasci. Il materiale essenziale dell’arte, in generale, è la sensibilità e non può essere acquistata o acquista con un titolo universitario, anche se frequenti la più prestigiosa università d’arte in Europa o negli Stati Uniti. Un artista deve capire che sebbene lavori per se stesso e per soddisfare un bisogno personale di espressione, le dimensioni della sua opera trascendono la sua esistenza effimera; per questo parlo di impegno verso se stesso e verso la società. Il processo che coinvolge la creazione artistica, a volte, pone luce e verità su domande esistenziali ed essenziali che hanno perseguitato e tormentato l’essere umano sin dagli inizi dell’umanità.
Per quanto riguarda le differenze che vedo dall’inizio della mia carriera ai giorni nostri, penso che siano sostanzialmente concettuali. Si può dire che ho perfezionato il modo in cui fare il mio lavoro grazie alla maturità, alla perseveranza e alle conoscenze che ho acquisito nel corso degli anni ma, in sostanza, il mio lavoro continua a nascere dalle preoccupazioni, dall’angoscia e dal disagio che genera la vita.

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Inauguración: Viernes 7 de Febrero a las 8pm
Clausura: 18 de Abril 2020

Curadora: Concha Fontenla

Artistas: Adonis Ferro, Alejandro Campins, Antonio Eligio Fernández. Tonel, Carlos Martiel, Cirenaica Moreira, Duvier del Dago, Ernesto Niebla & Saidí Boza, Ernesto Oroza, Esterio Segura, Fabián Muñoz, Fernando Rodríguez, Humberto Díaz, José A. Toirac, José M. Mesías, Luis Gómez, Octavio C. Marín, Rafael Villares, René Peña, Rocío García y Sandra Ramos.

*La cuadratura del círculo:* enigma matemático, obsesión de pensadores y artistas desde Anaxágoras a Leonardo, convertido en símbolo de la búsqueda perpetua, la dificultad extrema, la persecución de una quimera o el afán humano de trascender… en este caso, aplicado a la vitalidad que emana del arte cubano de la última década. Se prioriza la investigación que sigue marcando el *fatum* humano, latente en todas y cada una de las exposiciones de Factoría Habana. Esta trayectoria, mutada en signo, se aleja del binarismo secular propio de la cosmovisión vitruviano/leonardesca enfocada en buscar una solución cerrada y definitiva a un “enigma” y, lo hace, para descubrir multiplicidad de facetas, perfiles, porosidades, sutiles matices, *borderlines* o zonas fronterizas desde las que se proclama la heterogeneidad y el mestizaje como metodologías para desarrollar conocimientos y creatividad.

En el marco del 500 Aniversario de la Ciudad, la exposición *10 de 500* se plantea como un compendio de líneas de trabajo que articulan diálogos entre muchas de las voces y lenguajes que conforman el arte cubano actual y que, durante estos 10 años, han contribuido a convertir el proyecto Factoría en ese pretendido laboratorio experimental de arte cubano… trayectorias, cuya evolución nos han acompañado y testimoniado, contribuyendo a establecer una corpórea cartografía, aportación de miradas introspectivas y su reflejo a través de la diversidad de sus discursos creativos. Adonis Ferro, Alejandro Campins, Antonio Eligio Fernández. Tonel, Carlos Martiel, Cirenaica Moreira, Duvier del Dago, Ernesto Niebla & Saidí Boza, Ernesto Oroza, Esterio Segura, Fabián Muñoz, Fernando Rodríguez, Humberto Díaz, José A. Toirac, José M. Mesías, Luis Gómez, Octavio C. Marín, Rafael Villares, René Peña, Rocío García y Sandra Ramos constituyen islas, universos diferenciados y frecuentemente divergentes que contribuyen a la común tarea de lograr la integración armónica del hombre en el cosmos.

Factoría Habana | O’Reilly 308 e/ Habana y Aguiar, La Habana Vieja.