Carlos Martiel

by Marelys Valencia for PARSE

This essay explores the role of performance art in redefining blackness in the transnational sphere within the logic of “global apartheid” as defined by Manning Marable. It particularly addresses how imagined and lived blackness(es) continue to express life in proximity to death, yet persist in life, as conveyed in the performances of Afro-Cuban artist Carlos Martiel, who resides in the US. His work trespasses the national framework, either regarding Cuba or the United States, to engage in a cross-border solidarity that confronts the realities of black people and other subaltern groups within contemporary global neo-liberalism. Martiel’s use of his body as canvas points towards the differentiated histories behind today’s migratory movements that bear witness to the perpetuation of unequal guarantees of life, safety and hospitality for non-Western immigrants. I argue that the immediacy of the performance, instead of creating a community of strangers, reveals the fragility of guarantees for non-white bodies subjected to historical violence, and in so doing, his work circumvents the possibility of appropriation by Western audiences of any enduring suffering.

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di Marco Roberto Marelli per Forme Uniche

Carlos Martiel è nato a L’Avana, Cuba, nel 1989 e oggi vive e lavora fra New York e la sua città natale. Laureatosi nel 2009 presso la National Academy of Fine Arts “San Alejandro” all’Avana, tra il 2008 e il 2010 ha studiato presso la Cátedra Arte de Conducta, diretta dall’artista Tania Bruguera. Le sue opere sono in importanti collezioni pubbliche e private come il Solomon R Guggenheim Museum di New York, la Fondazione Shelley e Donald Rubin di New York, il Museu de Arte do Rio di Rio de Janeiro, il Museo Nazionale di Belle Arti de L’Avana e ha realizzato performance in diversi musei nel mondo fra i quali il Stedelijk Museum di Amsterdam, il Museo La Tertulia di Cali, il Centro de Arte Contemporáneo di Quito, il Walker Art Center di Minneapolis e il Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano.
Fra i più importanti artisti del panorama internazionale, pone il suo corpo, la sua identità e la sua sensibilità in dialogo con la natura dell’esistenza, la vita sociale e le tradizioni culturali, inserendosi a pieno titolo in un’accesa tradizione artistica legata al fare performativo, attualizzandola e innovandola attraverso un impatto duro e colto con un reale mutevole e contemporaneo.

Per la preziosa collaborazione alla realizzazione di questa intervista si ringrazia Apulia Center for Art and Technology.

Cosa significa essere un artista e quali differenze noti fra i tuoi esordi e oggi?

Essere un artista significa molte cose; per come la vedo io significa avere un impegno con il momento in cui vivi, oltre ad avere una visione consapevole e critica della realtà a breve, medio e lungo termine. Queste sono delle qualità innate, perché non impari a essere un artista, puoi imparare a perfezionare una tecnica, ma essere un artista è una professione con cui nasci. Il materiale essenziale dell’arte, in generale, è la sensibilità e non può essere acquistata o acquista con un titolo universitario, anche se frequenti la più prestigiosa università d’arte in Europa o negli Stati Uniti. Un artista deve capire che sebbene lavori per se stesso e per soddisfare un bisogno personale di espressione, le dimensioni della sua opera trascendono la sua esistenza effimera; per questo parlo di impegno verso se stesso e verso la società. Il processo che coinvolge la creazione artistica, a volte, pone luce e verità su domande esistenziali ed essenziali che hanno perseguitato e tormentato l’essere umano sin dagli inizi dell’umanità.
Per quanto riguarda le differenze che vedo dall’inizio della mia carriera ai giorni nostri, penso che siano sostanzialmente concettuali. Si può dire che ho perfezionato il modo in cui fare il mio lavoro grazie alla maturità, alla perseveranza e alle conoscenze che ho acquisito nel corso degli anni ma, in sostanza, il mio lavoro continua a nascere dalle preoccupazioni, dall’angoscia e dal disagio che genera la vita.

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Inauguración: Viernes 7 de Febrero a las 8pm
Clausura: 18 de Abril 2020

Curadora: Concha Fontenla

Artistas: Adonis Ferro, Alejandro Campins, Antonio Eligio Fernández. Tonel, Carlos Martiel, Cirenaica Moreira, Duvier del Dago, Ernesto Niebla & Saidí Boza, Ernesto Oroza, Esterio Segura, Fabián Muñoz, Fernando Rodríguez, Humberto Díaz, José A. Toirac, José M. Mesías, Luis Gómez, Octavio C. Marín, Rafael Villares, René Peña, Rocío García y Sandra Ramos.

*La cuadratura del círculo:* enigma matemático, obsesión de pensadores y artistas desde Anaxágoras a Leonardo, convertido en símbolo de la búsqueda perpetua, la dificultad extrema, la persecución de una quimera o el afán humano de trascender… en este caso, aplicado a la vitalidad que emana del arte cubano de la última década. Se prioriza la investigación que sigue marcando el *fatum* humano, latente en todas y cada una de las exposiciones de Factoría Habana. Esta trayectoria, mutada en signo, se aleja del binarismo secular propio de la cosmovisión vitruviano/leonardesca enfocada en buscar una solución cerrada y definitiva a un “enigma” y, lo hace, para descubrir multiplicidad de facetas, perfiles, porosidades, sutiles matices, *borderlines* o zonas fronterizas desde las que se proclama la heterogeneidad y el mestizaje como metodologías para desarrollar conocimientos y creatividad.

En el marco del 500 Aniversario de la Ciudad, la exposición *10 de 500* se plantea como un compendio de líneas de trabajo que articulan diálogos entre muchas de las voces y lenguajes que conforman el arte cubano actual y que, durante estos 10 años, han contribuido a convertir el proyecto Factoría en ese pretendido laboratorio experimental de arte cubano… trayectorias, cuya evolución nos han acompañado y testimoniado, contribuyendo a establecer una corpórea cartografía, aportación de miradas introspectivas y su reflejo a través de la diversidad de sus discursos creativos. Adonis Ferro, Alejandro Campins, Antonio Eligio Fernández. Tonel, Carlos Martiel, Cirenaica Moreira, Duvier del Dago, Ernesto Niebla & Saidí Boza, Ernesto Oroza, Esterio Segura, Fabián Muñoz, Fernando Rodríguez, Humberto Díaz, José A. Toirac, José M. Mesías, Luis Gómez, Octavio C. Marín, Rafael Villares, René Peña, Rocío García y Sandra Ramos constituyen islas, universos diferenciados y frecuentemente divergentes que contribuyen a la común tarea de lograr la integración armónica del hombre en el cosmos.

Factoría Habana | O’Reilly 308 e/ Habana y Aguiar, La Habana Vieja.

November 8, 2019 – February 29, 2020
Opening party: November 8, 18 – 20 hrs

The Latinx Project is pleased to present its second exhibition AFRO SYNCRETIC, curated by Yelaine Rodriguez.

Afro Syncretic presents the work of nine artists foregrounding the African roots of the Latinx diaspora. Collectively, the works center the vibrancy of diasporic blackness within Latinx culture urging viewers to confront dominant narratives of what it means to be Latinx.

These artists are part of a contemporary reassessment of African influences in Latinx communities that rejects trends to separate and undermine blackness. They provide pathways to appreciate the richness of contemporary Afro-syncretic interventions, breaking through dominant views of history and inspiring alternative futures.

Some of the works reference Afro-derived music, food, and religious practices. Others recreate memories that inspire new narratives about familiar, quotidian environments like a Nuyorican apartment while addressing the displacement of longtime residents. Others disrupt dominant beauty standards by challenging consumer goods. Some artists invite viewers to reflect on key social and political issues of the times by emphasizing the policing of black bodies and the problem of eroticizing and romanticizing a colonial past.

Together, these artists challenge viewers into a dialog that deliberately pays attention to African diasporic traditions in vernacular culture and their historical and living references. Most importantly, Afro Syncretic makes clear that visual artists are central to conjuring a social imaginary that centers Afro-Latinx in popular culture and all facets of life.

Artists: Lucia Hierro, Tiffany Alfonseca, Joiri Minaya, Carlos Martiel, Fabiola Jean-Louis, Patricia Encarnación, David Antonio Cruz, Melissa Misla, and Elia Alba.

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The King Juan Carlos Gallery | 53 Washington Square S, New York, NY 10012